Carlos Cruz-Díez

L’œuvre

Jaune additif Denise « A »
2007
180 x 80 cm
Cromographie sur aluminium Dibon

Jaune additif Denise « A » est composée de lignes de 3 mm de large, de couleur noire, rouge et verte, tracées verticalement de haut en bas. La proximité des lignes et la combinaison des couleurs créent des formes géométriques apparentes, parmi lesquelles un rectangle jaunâtre allongé qui traverse l’œuvre en diagonale. En s’approchant, on constate que ni le périmètre du rectangle ni la couleur jaune n’existent. Ils n’existent que dans notre perception, en particulier le jaune, qui est une couleur additive créée par la juxtaposition des fines lignes verticales vertes et rouges qui produisent une vibration optique formant la couleur jaune sur notre rétine.

Les formes géométriques que nous distinguons sont également le résultat de l’accumulation des lignes de couleur, mais ce ne sont pas des formes au sens traditionnel du terme. Elles se produisent dans le domaine physiologique, visuel et également psychologique, car notre esprit ne voit pas une couleur isolée, mais l’ensemble chromatique global.

La création du jaune dans notre cerveau est basée sur la décomposition de la lumière blanche en trois couleurs primaires : le vert, le rouge et le bleu. Chaque paire de couleurs primaires mélangées génère les couleurs secondaires par addition, qui sont le jaune, le cyan et le magenta. Les autres teintes sont obtenues en modifiant l’intensité des couleurs mélangées. Par conséquent, pour revenir à notre œuvre, Jaune additif est la couleur obtenue par le mélange du vert et du rouge dans notre cerveau.

Le nom Denise est un hommage à la galeriste de Cruz-Díez, Denise René, qui, depuis 1955, a protégé et encouragé la nouvelle génération d’artistes cinétiques après la Seconde Guerre mondiale. Cette œuvre existe en plusieurs versions, d’où sa classification « A », et a été réalisée en 2007, probablement à l’occasion de l’exposition que Cruz-Díez a organisée cette année-là dans sa galerie.

L’auteur

(Caracas, Venezuela, 1923- Paris, 2019)

Carlos Cruz-Díez, Alejandro Otero et Jesús Soto forment le trio d’artistes qui, après la Seconde Guerre mondiale, ont placé le Venezuela sur la carte de l’art moderne.
Ils ont trouvé dans l’abstraction géométrique les fondements pour développer leurs concepts artistiques dans le cadre de l’art cinétique : des pratiques qui expérimentent la modification de la perception produite par la lumière, la couleur et le mouvement, suivant la voie ouverte par certains artistes d’avant-garde historiques tels que Duchamp, Moholy-Nagy, Calder et Naum Gabo.

CCD est né au Venezuela en 1923. C’était un pays pauvre, aux ressources limitées, contrôlé par des caudillos locaux et gouverné par des régimes autoritaires et des dictatures militaires fréquentes. Ce n’est qu’à partir des années 1920 et 1930, lorsque l’exploitation du pétrole a commencé au Venezuela, que les bénéfices économiques ont permis une certaine modernisation des infrastructures du pays, mais pas l’amélioration de la situation de pauvreté et d’injustice sociale d’une grande partie de la population vénézuélienne.

La modernité artistique et les avant-gardes étaient pratiquement inconnues au Venezuela et CCD, comme ses contemporains, considérait comme un devoir historique « d’inventer » une culture moderne dont il n’avait pas hérité.

Le malaise provoqué chez CCD par les doutes sur son identité en tant qu’artiste, l’incertitude quant à l’avenir politique et culturel du pays et l’attrait de Paris, capitale historique de la modernité, l’ont décidé à se rendre en Europe en 1960, où il a retrouvé son ami Jesús Soto à Paris.

CCD avait alterné ses études d’art avec un travail dans la presse en tant que dessinateur et connaissait bien les techniques photomécaniques d’impression en couleur. Il avait également étudié les théories historiques sur le chromatisme, de Goethe à celles du Bauhaus, jusqu’aux théories industrielles d’Edwin Land, inventeur du Polaroid. Lorsqu’il s’installe à Paris, il est déjà convaincu d’avoir trouvé le thème fondamental de sa carrière d’artiste : « lancer la couleur dans l’espace », un discours artistique original basé sur la perception de la couleur produite par la physiologie de l’œil humain, qu’il développera de 1954 jusqu’à la fin de sa vie. Il s’est basé sur des expériences constantes avec l’irradiation qui se produit lorsque deux plans de couleur se touchent et génèrent une ligne chromatique virtuelle ; avec les inductions ou créations optiques de couleurs complémentaires, et avec d’autres formes de modification et de recréation chromatique avec lesquelles il place le spectateur comme « auteur » involontaire d’une œuvre qui est modifiée par son propre mouvement. CCD a appelé « modules d’événement chromatique » les lignes étroites de couleurs qui génèrent la perception de nouvelles couleurs, et « physichromies » les œuvres dans lesquelles la rétine génère de nouveaux chromatismes grâce aux propriétés physiques de la couleur.